Precisamente venía hoy a hablarles de uno de los pinball que más me encandiló en el pasado y que aún me sigue pareciendo un portentoso exponente del género. Y es que en 1992 a una mente sabia se le ocurrió mezclar dos conceptos tan aparentemente alejados como son el Heavy Metal y los pinball, y la cosa resultó cuajar en un producto que es sinónimo de vicio total. En efecto, Crüe Ball se presenta bajo la licencia oficial de los míticos Motlëy Crüe, grupo que responde al contexto embrionario del Heavy (inicios de los 80) y que nos ha dejado para la posteridad temazos de la talla de Shoot at the devil. Pues bien, Crüe Ball coge estos ingredientes, los sacude con fuerza y elabora una receta perfecta en la que el movimiento de la bola congenia a las mil maravillas con la música estridente y el toque macarra del juego. Desarrollado por NuFX y publicado por Electronic Arts (sí, Electronic Arts) para Mega Drive, Crüe Ball nos traslada a un endemoniado petaco virtual en el que mostrencos de todo tipo nos la irán jugando a cada momento. La finalidad? La de siempre: que la bolita, aquí representada con una física bastante decente, no se cuele por el agujero situado entre las dos pinzas de golpeo.

Dicho así puede parecer fácil, aunque los que seáis avenidos a este tipo de juegos podréis constatar que el pinball sitúa al propio jugador como su peor enemigo. Los nervios e intentos por introducir la bola en determinados puntos de la mesa se vuelven a veces contra uno mismo y la partida termina en un santiamén. Crüe Ball no es una excepción en cuanto a cabreos y lanzamientos de mando del que se encuentra delante de la pantalla, ya que la enrevesada estructura de las fases nos hará sudar para desbloquear nuevas opciones del tablero. Éste irá mutando para configurar más tretas y enemigos que dificultarán el avance, al tiempo que desatamos nuestra vena más macarra votando con la brillante Dr.Feelgood y otros temas destacables de la banda. Más alicientes a tener en cuenta son las fases de bonus cadavéricas, donde una pared repleta de esqueletos nos irá lanzando enemigos que tendremos que destrozar a bolazos en un interesante giro de perspectiva que se asemeja en las formas a Pong.

Y en el final finalísimo nos espera, cómo no, el bueno de Allister Fiend. La mascota de Motlëy Crüe, ideada a partir de los rasgos físicos de todos los componentes del grupo, aparece como final boss para complicarnos todavía más las cosas. Una araña se coloca en el temido agujero de la muerte a modo de salvavidas mientras nosotros intentamos reventar a Allister, pero hay que andarse con mucho cuidado. Debíamos apuntar a su boca y esperar la respuesta del enemigo en forma de escupitajo. Un toma y daca muy peligroso ya que en esta fase final sólo disponíamos de una bola y el cabroncete de Allister disparaba directo al vacío. La de ocasiones que me quedé a las puertas de vencerlo…

Y esto es Crüe Ball. Una propuesta minoritaria de un género reducido pero que sabe jugar bien sus cartas: un mix tremendo entre música y pinball. Quizá no tenga el renombre de juegos como Alien Crush o la saga Pro Pinball, pero Crüe Ball consigue brillar con luz propia por su desfachatez y descaro a la hora de abordar un sistema de juego tan tradicional como éste.

Me puse a escribir, y se me antojó complicado atacar por el factor tecnológico: hoy, los juegos bien hechos quitan el hipo con sólo ver un tráiler. Sin embargo, pensando aún en ese asunto, me acordé del SCUMM, aquel limitado pero maravilloso marco en el que se movieron las aventuras gráficas más espectaculares que se han visto. No recordaba qué significaban las siglas y pasaba de buscarlo, pero sí sabía que las dos emes del final respondían al nombre ‘Maniac Mansion’. Ese juegazo. Había tocado la tecla, tenía tema: la crisis de las aventuras gráficas actuales –o la obsolescencia del concepto tal y como lo entendimos alguna vez- y la falta de humor en los grandes videojuegos de hoy en día.

De nuevo, me puse a escribir. Esta vez, los obstáculos eran las fórmulas argumentativas. Tenía los elementos: hablar de los primeros Monkey Island, de los Indiana Jones, del propio Maniac Mansion y de El Día del Tentáculo, incluso de los Broken Sword. Los tenía y disponía de millones de recursos, pero no sabía qué argumentar, ni cómo comparar de una manera sólida. Ni sabía buscar culpables, ni marcar finales y principios de época, ni afirmar nada con seguridad. Pero, lo sabréis los bloggers, esto pasa tres de cada tres veces que uno decide escribir.

Así que me lancé a la piscina de cabeza. Escribí pamplinas. La que menos tonta era, la del carisma de los protagonistas. No hay color entre los Guybrush –por cierto, como pirata, Jack Sparrow se debe arrodillar ante él, convengámoslo sin espacio para la discusión-, Bernard, Indiana o George Stovard y los energúmenos que protagonizan hoy los juegos. Parece que todos se pasen la semana en el Vital Fitness. Aquí apuntaba la apreciación de alguno de los colaboradores de este blog sobre el prota de Dante’s Inferno: toda la razón del mundo. ¿Dante cachas? ¿De qué? Aquí lo comparé con Abe, ese bicho extraño, simpático y penosamente heroico que SÍ era un protagonista con todas las letras. Entonces pensé que estaba yéndome de una época a otra -y de un género a otro y a otro- como un pencas, y que se me irían por las ramas y me discutirían sobre el relativo éxito de la saga de Oddworld, y me bloqueé y cambié de párrafo y de tema.

Me pasé al asunto del ‘point&click’ y al humor. Argumenté que hoy el género no existía o que, en todo caso, se había quedado en híbridos y que hoy primaba la acción. Y que eso me entristecía. Y me puse a alabar ya no sólo obras maestras como las anteriormente citadas, sino casos más terrenales como Hollywood Monsters, Prisoner of Ice, la más cercana Runaway o coletazos poco conocidos y algo caricaturescos como ese Dráscula de Alcachofa Soft o el título francés Woodruff, nada desdeñable. Paré de escribir, sabiendo que no estaba argumentando, sino enumerando. Entonces hablé de su crisis a finales de los noventa, coincidiendo al paso a los nuevos motores y lenguajes gráficos, que se vio oscurecida por la falta de ideas: Syberia o The Longest Journey me parecieron cajas vacías y muy serias –eso es malo-. Luego dije algo más sobre la coincidencia con el auge de los juegos de más acción, con la buena calidad de los ‘shooters’ de la época y sus posteriores primeras posibilidades online, y sobre el auge que hubo también entonces de nuevas fórmulas de género. Llegué a decir que mi admiradísimo Metal Gear, con su grandeza, había empezado a hacer pequeñito el concepto de aventura gráfica, y que la repentina consolidación de los juegos de ‘todo-vale’ con GTA III había hundido al género del ‘point&click’, que ya tenía un megagénero sucesor en su función de asemejar los videojuegos a las películas y a las novelas.

Al final, me fui por las ramas de nuevo. Hablé sobre la coexistencia que habían tenido antes las aventuras gráficas con los RGP en las consolas, relacionándolas con esa función peliculera de la que hablaba hace unas líneas. Luego, no sé por qué, me referí a Halo y su Jefe Maestro para ejemplificar el final del humor en la pantalla. Por cierto, otro ejemplo de ‘prota’ sieso. Terminé escribiendo que hacía tiempo que no me reía delante del monitor con una mera conversación y que hoy lo que mandaba era el prototipo de videojuego que sale en las noticias, a lo Heavy Rain, o en la portada de Público, a lo GTA IV. Lo releí todo y entendí que me había enrollado mucho y que todo era inconexo. Y el final… lamentable. No me río hace tiempo con un videojuego porque hace tiempo que no juego. Y escribí esto: la crónica del fracaso de un artículo y del de la aventura gráfica tal y como una vez la disfruté.

España es uno de los países del mundo con más piratería de videojuegos. Esto es un hecho innegable, primero porque todos y cada uno de los gamers de este país han convivido con ello desde los tiempos del Spectrum (los juegos se copiaban de cassete a cassete); y, segundo, porque ya son las mismas compañías las que lo dicen. Las cifras de piratería más alarmantes se dan, sobre todo, en las actuales consolas de Nintendo. Mientras que la PlayStation 3 de Sony se erige en la gran fortaleza inexpugnable para la piratería y la Xbox 360 de Microsoft utiliza las oleadas de baneos masivos para desincentivar los fraudes, las consolas de Nintendo se ven completamente desprotegidas, tanto por la ley como por sus propias dinámicas de desarrollo.

Cuando un usuario de Wii se compra la consola, no lo hace pensando en el juego online, sino en la diversión. Lo mismo pasa con Nintendo DS. Esto hace que este usuario se muestre más reacio a conectar su consola a Internet y que, por lo tanto, se libre de los filtros antipiratería que se podrían aplicar. Si un usuario de Xbox 360 es pillado con una consola “modificada”, automáticamente es baneado del servicio (de pago) de Xbox Live y su consola pasa a ser una consola capada, ya que también se eliminan ciertas funciones de juego. Por lo tanto, el usuario de Xbox se lo pensará dos veces antes de “modificar” su dispositivo, a riesgo de perder lo que muchos llamamos “la otra mitad de la consola”: el Juego Online. En cambio, el hecho de no depender de una grande e imprescindible red online, hace que los usuarios de Nintendo pirateen sus videoconsolas a lo de “¡Tonto el último!”. Entonces, no es raro que Nintendo esté que trine con nuestro país y lo haya incluido en su ranking de países malditos por la piratería.

¿Qué hace Nintendo para protegerse de la piratería en España? Más bien poco. Denuncia a empresas que comercializan las tarjetas R3 y M3 a través de Internet, gana algún pleito, logra que alguna red de venta sea desmantelada; pero, aun así, la piratería sigue in crescendo. Obviamente, el sistema no funciona y se ha tenido que buscar otra fórmula.

Recuperemos ahora la pregunta que lanzaba al principio: ¿Nadie se ha planteado aun por qué España será el único país que recibirá la edición especial de Sonic Collection?… ¿Pilláis por dónde van los tiros?

El contenido de la edición coleccionista de Sonic para NDS

Creo que con Sonic Collection nos encontramos ante una nueva estrategia de marketing y de lucha contra la piratería. Si no puedes evitar que la gente piratee tus juegos, incentiva la compra del original. Es cierto que a mucha gente le da igual si el juego trae una estatuita de Sonic metida en una fiambrera metálica y acompañada de un paquete de condones azules agujereados por púas de auténtico erizo. Pero otras personas (los más segueros y fans de Sonic) se masturbarán pensando en el momento en que esa caja maravillosa esté en sus manos. ¿Qué hacen Nintendo/Sega?  Incentivan la compra del original con cuatro chorradas y te hacen pagar más por ello, con lo que cubren una parte (aunque sea mínima) de las pérdidas que les supone la piratería.

Realmente, encuentro que no es una mala iniciativa por parte de Nintendo. Sí que sigue siendo una opción cara, dado el contenido de la edición coleccionista, pero por algo se empieza. Quizás nos encontremos ante una creciente ola de ediciones coleccionista que no traen nada útil. Pero eso no quiere decir que los fans no deseen tener el batarang de plástico rayado, el lancer dorado para el juego online o la estatuilla del héroe turno. Si es así, bienvenidas sean las ediciones coleccionista, eso sí, a un precio más razonable y con algo más de calidad. ¿Si no, para qué pagar por algo que puedes obtener gratis? ¿No?

El premio como lo habíamos concebido hasta ahora, era algo inherente al juego, intrínseco a su mismo desarrollo. Sin embargo, la llegada y revolución de los logros en esta generación ha derivado en una presentación externa de la recompensa, que se ejecuta por medio de puntos acumulables en cada título y en una cuenta que los unifica y aglutina todos. Como ya apuntó Chiconuclear en un reciente texto de Anaitgames, los logros se han convertido en el auténtico boom de esta generación. El hecho de crear grandes plataformas online con microcomunidades personalizadas para cada usuario ha sido determinante para que la implementación de este sistema sea efectiva. Una medida exitosa que Sony no tardó mucho en adaptar al Network, dando lugar a los conocidos trofeos. Por eso que comentábamos de Miyamoto al inicio del post, Nintendo no ha decidido lanzarse todavía a crear regalos? Para sus juegos. El motivo, más que por el discurso de Miyamoto, obedece a una estructura online demasiado simple para forjar ese sentido de comunidad que sí está presente en Xbox Live y en el PS Network.

Chiconuclear decía en su texto que los logros animan a jugar, fidelizan usuarios y maquillan defectos de los juegos. Coincido mucho con su aporte ya que los logros añaden un plus a cualquier propuesta, ya sea por rejugabilidad, aumento de dificultad o la necesidad de completar los juegos en más de una ocasión. Nos obligan, por decirlo de alguna manera, a exprimir aspectos concretos de la obra que de otra manera igual hubiéramos pasado por alto. Yo diiría, también, que los trofeos están en plena consonancia con el juego online, y sólo hace falta entrar en un foro para ver que hay el determinado hilo de logros del juego y gente siempre dispuesta a formar clanes para conseguirlos todos. En el escrito de Anaitgames se comentaba algo que me parece fundamental, y es que ahora la gente puede saber si te has pasado un juego o no, la dedicación que le has dado o si realmente opinas por opinar y te has quedado en la primera pantalla. Se entienden, pues, como medidores de hardcorismo en una carrera para ver quién la tiene más grande (la cuenta). Pero, eso es realmente positivo o más bien negativo??

Anthony Burch publicaba esta semana un artículo en Destructoid en el que se planteaba si los logros pueden ser perniciosos o no para el jugador. El texto contiene una charla con Chris Hecker, programador conocido entre otras cosas por ser la mano derecha de Will Wright en la creación de Spore y por ser defensor de los indie games. Según Hecker, “las motivaciones extrínsecas pueden disminuir las intrínsecas a la hora de llevar a cabo una tarea”. Para tal afirmación, se apoya en algunos estudios psicológicos realizado con niños y en los que se pone a prueba la eficacia de la recompensa. Un ejemplo que se nos cuenta es el del plan “Book It” de Pizza Hut, según el cual se daba una pizza gratis a los niños por cada libro que leyeran. El efecto no fue el deseado, puesto que los sujetos terminaron disfrutando con el premio, pero odiaron el proceso para conseguirlo, esto es, la lectura.

Y es que, si bien es cierto que los logros animan a jugar y se convierten en un reclamo y un aliciente más para gozar de los videojuegos, también lo es que generan una cierta manipulación del usuario que los persigue. La mayoría de gente ya busca los logros que traerá X juego antes tan siquiera de que éste salga a la venta. Eso, queramos o no, condiciona la futura rutina de juego ya que modula un plan de ataque para hacerse con los trofeos al mismo tiempo que se va completando la obra. Esta consecuencia parece ser todavía más notoria en los presentes RPG’s, que nos ofrecen muchas posibilidades, finales alternativos y, sobre todo, logros si nos comportamos de una determinada manera. También es verdad que normalmente este tipo de premios suelen estar equilibrados para que exploremos todas las posibilidades, aunque si unos valen más que otros, siempre habrá jugadores que optarán por el camino que más puntos les conlleve.

Por otra parte, hay títulos cuya popularidad se ha forjado en base a la facilidad de sus logros. Juegos como Fight Night Round 3, King Kong, CSI o Avatar (no de James Cameron) han sido el anzuelo de un amplio número de jugadores para obtener los 1000 puntos de forma rápida y sin quebraderos de cabeza. Otra consecuencia a poner sobre la mesa sería la aparición de los denominados “Cazalogros”; personas que llevan al límite sus posibilidades para que no se les escape ni uno de los trofeos que presenta cada título. Según la persona esto puede generar una dependencia con la obra que, si me apuran, podría volverse en obsesión. Aunque éste ya es un tema más delicado porque entraríamos en el terreno de la adicción, muy escabroso y complejo de tratar para el texto que nos ocupa. En cambio, sí que es más frecuente observar cómo las partidas online se van al traste porque hay más de un individuo que cae en el juego rastrero para conseguir sus fines. Logros, en algunos casos.

En definitiva, es pronto para saber el alcance y la repercusión de estas recompensas en los videojuegos. De momento, hay que reconocer que ha sido un gran éxito y que pocos son los que escapan a la tentación de hacerse, no con todos, pero sin con algunos de estos retos que se plantean en el perfil de cada juego.

Son, pues, los logros beneficiosos o dañinos para el jugador y la experiencia de juego? Dejo la pregunta en el aire.

Se celebra estos días el Game Developers Conference en San Francisco. Como es de esperar en un evento de estas características, hemos asistido a lanzamientos, revelaciones, anuncios y demás propaganda a la que nos tiene acostumados la industria, pero si hay algo que destacar (más allá del trailer de Deus Ex 3, pero esto es una debilidad del redactor) es el anuncio de lo que será la apuesta más fuerte de Sony para esta temporada, el Move.

Es obvio que no va a dejar a nadie indiferente. El nuevo mando de Sony es una evolución del mando de Wii, con mayor cantidad de sensores (seis, incluyendo un sensor de campo electromagnético terrestre -no, yo tampoco sé lo que es-) y una esfera luminosa que combinada con la cámara Playstation Eye (que es necesaria para el uso del dispositivo) permite un posicionamiento exacto del usuario en el juego, además de ofrecer posibilidades de lo que se viene configurando como la nueva tendencia en el mundo del videojuego, la realidad aumentada.

El dispositivo plantea una serie de preguntas que ya se comentaron cuando apareció la Wii, como la necesidad -o no- de un mando en la interacción usuario-juego, o la viabilidad de la propia tecnología. La primera es aún objeto de debate, y lo será aún más con la presentación del proyecto Natal de Microsoft, pero la segunda ya ha sido contestada con el éxito arrollador de la Wii de Nintendo. La propuesta de Sony, sin embargo, es fiel al posicionamiento de mercado de la PS3: en una entrevista concedida a Público, Richard Marks, el ingeniero a la cabeza del proyecto, ha declarado que la tecnología del Move se pondrá al servicio tanto de opciones más casuales de juego -como por ejemplo un software de tenis mesa- como de juegos más en la línea hardcore como Socom 4, uno de los primeros títulos de la PS3 que será compatible con Move, aunque la compañía ha asegurado que de ahora en adelante todos los títulos que se lancen para su consola serán compatibles con control tradicional y Move.

Es seguro también que Move creará polémica por sus semejanzas con la tecnología de la Wii de Nintendo, que no se limitan a lo comentado hasta ahora, sino que se extienden a la inclusión de un segundo mando o “nunchaku” como el de la consola de Nintendo, o un catálogo de juegos inicial que recuerda bastante a software similar en Wii, como por ejemplo el ya comentado juego de tenis mesa o un juego de combate de gladiadores parecido (aunque mejorado) a la modalidad de kendo de Wii Sports Resort.

Sin embargo, Sony ya ha anunciado que más de 30 desarrolladores están trabajando en títulos compatibles con Move, y no contenta con anunciar eso, ha hecho otras afirmaciones que dejan claro que el proyecto está muy avanzado: la primera es que el producto se lanzará este mismo otoño, y la segunda que su precio no llegará a los cien dólares (unos setenta y cinco euros).

Queda por ver solo el éxito de este nuevo mando. Aún así, visto el éxito de su predecesor evidente, el Wiimote, hay pocas dudas de que el periférico de Sony será aceptado sin mayores problemas por la comunidad de jugadores. Otro factor que podría ayudar a Move a situarse por encima de la tecnología de Wii, aparte de la superior potencia técnica de la PS3, es la mayor confianza en licencias de terceros de la consola de Sony. A todo el mundo le hace gracia ver a Mario jugando a tenis, pero con desarrolladores como Capcom o Konami embarcados en proyectos para Move cabe esperar que este otoño podamos lanzar hadokens con Ryu o hacer que  Solid Snake inmobilice a un soldado enemigo usando nuestras propias manos. Como siempre, el tiempo dirá. Les dejamos con una serie de vídeos de las tech demos de Move en la Game Developers Conference:

Trailer de Move

The Shoot

Slider

Move Party

Move Fighter

Interacción con Little Big Planet

Gladiator Duel

Hace unos días un buen amigo me recomendó una serie más a añadir a mi lista de series por ver. La serie en cuestión que me recomendó este amigo se llama Doctor Who. Llegados a este punto muchos de vosotros diréis: “¡Oh Dios! ¡ Me suena ese nombre! ¿De qué me suena?”. Si eres uno de los afectados, enhorabuena, puedes comenzar a plantearte seriamente el hacerte una chapa en la que ponga “Soy un friky”. ¿Porqué? Esta es una de las series freak por excelencia compitiendo con Battlestar Gallactica, Farscape y Star Trek; pero dándoles 30 patadas a cada una, sobre todo a Star Trek, a la cual ya supera en capítulos. ¡¿Supera a Star Trek en capítulos y casi no habías oído hablar de ella?! Es lógico, pues es una serie inglesa de culto. Se comenzó a emitir en la BBC en el año 1963 y culminó su primera etapa en 1989. Años más tarde, en 1996, Universal Pictures haría una película basada en la serie pero la cosa se quedó ahí… Hasta 2005 cuando la BBC decide que Doctor Who será retomada desde el punto en el que se quedó y que se emitirá hasta día de hoy (cuando ya se está preparando una quinta temporada de esta segunda etapa). ¿Sorprendido? ¿Has caído en que esta serie lleva más de treinta años en el aire? Pues sí. Treinta años de emisión en los que se han visto diez doctores distintos y, a partir del mes de Abril, veremos al décimo-primero. No quiero alargarme contando el porqué de tantísimos doctores, mirad la serie (si queréis) y lo descubriréis.

El décimo Doctor, David Tennant, el mejor de todos

¿Y a qué viene todo esto? Pues bien, como le decía  mi buen amigo el otro día después de ver los tres primeros capítulos de la temporada 2005del tirón: “Había creado un monstruo”. Esta mañana, por casualidad he visto un libro curioso que me ha llamado la atención y he tenido que ojearlo. El libro en cuestión se llamaba Las Series que no me dejan dormir, de Toni de la Torre. En cuanto lo he visto no he podido evitar ojearlo y he buscado a ver si Doctor Who figuraba en la lista de series, y efectivamente, ahí estaba. Me ha parecido un texto la mar de correcto que define muy bien lo que uno puede sentir al ver al mirar la serie. De la Torre no recomienda la serie para nada, a no ser que seas fanático de la ciencia ficción, eso sí. Y tiene razón, si no te gustan las series de extraterrestres y aventuras cutre-salchiceras, no te va a gustar Doctor Who. A pesar de ello, si miras uno de sus capítulos cargados de efectos especiales de baratillo, monigotes feos y guiones algo infantiles, te darás cuenta de que te está enganchando, por muy amante de Anatomía de Gray que seas. Doctor Who lleva más de 30 años de emisión y eso es por algo. Es una de esas series magistrales que, sin necesidad de dejarte con el alma en vilo al final de cada capítulo (cosa que jode que no veas), te apetece seguir viendo más;  tiene ese toque, esa magia que la hace especial.

A diferencia de otras series, esta no alimenta nuestra faceta más obsesiva compulsiva de consumo de capítulos hasta las cuatro de la madrugada o más. Doctor Who te da el respiro, te deja descansar entre capítulo y capítulo. No sientes la necesidad urgente de verel siguiente capítulo a la de ya, pero quieres verlo, y lo harás en otro momento. Ese es un gran punto a favor, un punto determinante que me ha hecho meditar sobre mi adicción a LOST. La reflexión me ha llevado a modificar mi ránking de series favoritas:

#1 – Farscape (=)

#2 – Doctor Who (N)

#3 – Perdidos (↓)

#4 – The Big Bang Theory (↑)

#5 – True Blood (↓)

Sí, Doctor Who ha llegado a mi vida pegando fuerte y me parece que se queda para siempre. Igual que hizo mi buen amigo, la recomiendo fervientemente (y no por ello me volveré madridista ni fan de Mago de Oz). Pero por favor, que haya debate. La zona de comentarios está abierta para vosotros y, si alguien discierne que lo diga.

Pinche aquí para ver el vídeo

Ya es un tópico más que gastado que los videojuegos que nacen de proyectos cinematográficos (así como las pelis basadas en videojuegos) suelan ser algo prescindible e innecesario o, por decirlo llanamente, malos. En muchos casos eso se debe al diseño rápido y apresurado del juego en cuestión para que pueda salir a la venta la misma semana que el estreno de la película y para casi todas las plataformas del momento. En otros casos, una llega a pensar que los grandes éxitos de taquilla no están hechos para crear ningún tipo de jugabilidad. Aunque existen gloriosas excepciones – como el videojuego de El Padrino, o Saw (ambos para PC) – éstos fueron creados años después (e incluso décadas en el caso de El Padrino) del estreno de las películas, y aunque siguen un story mode bastante elaborado, distan un poco de los respectivos argumentos originales. No sé si será por esa “libertad” o por el espacio temporal existente entre peli y juego, pero alguien debería encontrar una fórmula para hacer que esas películas que consiguen tantas nominaciones por un lado, no bajen el listón cuando se trasladan a un soporte jugable, en este caso PC.

#5 Harry Potter

El último puesto en el ranking es para la saga del niño mago, que este año compite por el Oscar a mejor fotografía con su sexta entrega, y que en 2005 tuvo dos nominaciones a mejor banda sonora y mejores efectos visuales con El prisionero de Azkaban. Aunque hay que reconocer que los de EA se lo curran, los juegos de Harry Potter son el clásico ejemplo de videojuegos basados en lo que promete ser un blockbuster (sobre todo en el mundo adolescente) y que salen a la venta el mismo día del estreno. Además son juegos que uno puede pasarse perfectamente en una tarde. En sus dos primeras entregas, el personaje de Harry juega al Quidditch y asiste a las clases con el argumento de la peli de fondo, aunque a decir verdad, la sensación que se tiene al jugar es que te pasas todo el rato recogiendo las malditas grageas Bertie Bott de todos los sabores para dárselas a los gemelos Weasley. Otra excusa para crear un juego de plataformas en el que busques caramelitos (como podrían ser anillos o monedas) que al final no sirven absolutamente para nada. A partir de su tercer Harry Potter y el prisionero de Azkaban, ¡oh! ¡sorpresa! ahora además de Harry, podías ser Ron y Hermione. Electronic Arts intentó demostrar un poco de creatividad, aunque el juego acaba siendo más de lo mismo (o más aburrido aún que los dos anteriores…) y que sólo consigue enganchar a los amantes de Flipendo, Rictusempra o Wingardium Leviosa.

No voy a meterme en sus versiones para Wii (pues este Top 5 es sólo para PC) pero hacer pociones y usar la varita con Wii Mote es de lo peor que podía haberse hecho.

#4 El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

Es el segundo caso de videojuego basado en una película a su vez basada en un libro que también forma parte de una saga. El caso del universo de Tolkien llevado a la gran pantalla por Peter Jackson recopila un sinfín de nominaciones en las tres entregas con 11 Oscars incluyendo mejor película y mejor director en el año 2003 por El Retorno del Rey. Black Label Games editó este juego cuya primera entrega es un fiasco casi absoluto. También de duración corta, el juego es tan insulso que consigue aburrirte antes de que Frodo salga de La Comarca. Por suerte mejoraron bastante en las dos entregas siguientes en lo que a gráficos y jugabilidad se refiere.

#3 Buscando a Nemo

Ya es un clásico que la factoría Disney (aunque en ese caso sea coproductora con Pixar) saque un videojuego para la mayoría de sus películas. Lo lleva haciendo desde hace muchos años y con cierto éxito en sus versiones de Aladdin o El Rey León para Gameboy y Mega Drive, pero lo cierto es que si bien han asumido que su público es mayormente infantil, no consiguen captar la esencia de lo que eso significa, y acaban produciendo juegos que hasta los pequeños proyectos de gamer tienden a aburrir. Ése es el caso de Buscando a Nemo, ganadora del Oscar a mejor película de animación en 2003. THQ-Games se encargó de desarrollar este juego que combina escenas de la película original con pantallas en las que hay que resolver puzzles entre otras memeces. (¿Qué más se puede esperar de una empresa que está en proceso de crear el juego de Bratz Super Babyz?)  Ser niño no significa ser tonto, así que si alguien tiene la intención de que sus hijos sean aficionados a los videojuegos nunca les regaléis esta joya.

#2 Los Increíbles

Otra de Oscar a mejor peli de animación (ésta en el 2004), también de Disney-Pixar y también otro nefasto regalo de THQ. Los Increíbles ya tiene la intención de buscar un público infantil y adolescente, por lo que los controles y las pantallas tienen un nivel de mayor dificultad que en Buscando a Nemo (quizás demasiado difícil para un niño poco experto en videojuegos), pero tras el subidón de ver al “increíble” Bob saltando por los edificios y a pesar de la variedad de personajes, la acción se convierte en un aburrido y repetitivo juego de plataformas. Por lo visto, Píxar sabe hacer muy buenas películas de animación, pero peca de pretenciosa en sus videojuegos y si no sólo hay que tomar como ejemplo su versión infantil de Juiced (también de THQ) basada en la peli de Cars, o su última creación: Up! que promete ser de lo más aburrido incluso para los peques.

#1 Avatar

El superéxito de taquilla de James Cameron nominada a 9 Oscars este año es el videojuego para PC más fiasco de todos los que se han basado en una peli nominada a los Oscars y probablemente sea uno de los peores juegos de la historia. A todos nos puede parecer divertido disparar, matar bichejos enormes y campar a nuestras anchas a lomos de un Banshee, pero el videojuego de Avatar se merece este puesto número 1 por dos razones. En primer lugar, el juego requiere un PC muy potente y con una tarjeta gráfica de última generación, ya que aún bajando la resolución al mínimo y reduciendo los detalles, las pantallas se van entrecortando y dificultando al máximo la capacidad de juego. En segundo lugar y, desde mi punto de vista, Avatar se aleja totalmente del concepto de entretenimiento, convirtiéndose en un juego tedioso al que hay que obligarse a uno mismo a seguir jugando. Evidentemente hay pantallas mejores y pantallas peores, pero al final se basa en la repetición de dichas pantallas con diferentes bichos. Si antes hablábamos de lo malos que suelen ser los juegos basados en películas por la falta de tiempo existente para diseñar y producir el juego paralelamente a la producción de la peli, Ubisoft se podría haber exigido un poco más, teniendo en cuenta los cuatro años de producción que invirtió Cameron en la película, y haber mejorado la mala inteligencia artificial del juego porque ya es de risa.

And the Oscar goes to…

La 3DO salió en 1993 por el precio de unos 700$, teniendo a Super Nintendo y Megadrive en pleno apogeo. Fue de las pioneras en usar el CD como soporte, pero estar a la vanguardia de la tecnología no siempre es garantía de éxito, y la prueba es que dos años después otra consola con soporte en CD seria la reina del mundo del videojuego por muchos años: la Playstation. Si a un catalogo corto y mal elaborado de juegos y un precio elevado le sumamos una mala campaña de marketing nos sale una consola que pasó sin pena ni gloria. Aun así la compañía que la creó, The 3DO Company, se atrevió a diseñar otra consola, de la cual vendieron su estructura y no llegó a salir al mercado… quizás mejor.

Tener una consola de éxito y empezar a añadirle extras en vez de innovar no le salió bien a Sega (quizás junto a Sega Saturn fuera el principio del fin como creadora de consolas). Al mismo tiempo que salía la 3DO, Sega presentaba su salto al mundo multimedia, la MegaCD. Se trataba de acoplar a la Mega Drive un reproductor de CD que permitía usar juegos con mejor calidad tanto de imagen y sonido. De su catálogo hay que destacar Sonic CD, sobre todo porque la gran mayoría de juegos eran vídeos en que el jugador únicamente tenía que pulsar un botón en el momento adecuado para pasar de uno a otro, dando resultado a una jugabilidad casi nula. Al poco tiempo, y sin la lección aprendida, Sega lanzó otro accesorio, la 32x, que daba a la Mega Drive una capacidad de generar gráficos poligonales de nueva generación (de aquella época). Sin embargo, el peor enemigo estaba en casa, porque la misma Sega anunció al cabo de poco su nueva creación: Sega Saturn, también de 32 bits. No hay nada peor que tirarse piedras al tejado de uno mismo, ya que si no hubieran invertido tiempo y dinero en estos accesorios, quizá la Saturn podría haber disputado una batalla más igualada con Playstation.

Si alguien tiene conectada o guardada en el armario una consola Atari Jaguar, que se descubra. También salió en 1993 (Fue el año de sobresaturar el mercado de consolas, y también de grandes bufs). Simulaba ser una consola de 64 bits, aunque la realidad es que se servía de 5 procesadores de 32 bits. Usaba CD y cartuchos y su éxito de ventas en juegos se dio con Alien vs Predator, y poco más a destacar. Otra vez el ansia por ser la vanguardia pudo con otra posible buena consola.

Por lo que a Nintendo respecta, la compañía de Kyoto no siempre ha acertado en sus productos. El ejemplo es su “portátil” Virtual Boy. Fue su consola de 32 bits, una gafas que debían conseguir algo cercano a la realidad virtual con imágenes monocromáticas, esto es, al puro estilo Game Boy. A las gafas se le conectaba un mando para controlar a los personajes, pero con un peso de 700 gramos en la cara la comodidad era, por decirlo de alguna manera, nula. Su mayor éxito fue Mario Tennis y hoy en día no pasa de ser otra pieza de museo, así que si alguien quiere invertir en estos tiempos de crisis y tiene una Virtual Boy de pisapapeles, ya sabe de dónde sacar una paga extra.

Aquí una consola que no triunfó y que yo viví en mis carnes fue la más que conocida Dreamcast. La primera consola de 128bits en aparecer y desaparecer que no pudo con PlayStation2, Game Cube y la novata Xbox. Arrastraba la mala herencia de Saturn y, aunque abrió las puertas del juego on-line con su modem de 33Kbps y fue plataforma de juegos que nutrirían a otras consolas como Soul Calibur, Jet Set Radio, Metropolis Street Racer (Project Gotham Racing en la actualidad), Phantasy Star On-line, Shenmue y sobre todo la “traición” de Sonic…, no tuvo a su lado a grandes compañías como EA o Konami, que no produjeron para la plataforma ninguna de sus sagas deportivas. Además, a las puertas estaba el lanzamiento de la esperada PlayStation2, que contaba con DVD, compatibilidad con la antigua PlayStation y muchas expectativas para un público por aquel entonces muy entregado a Sony. De nada le sirvió a Dreamcast tener la Visual Memory, que permitía disponer de mini-juegos dentro de ella y jugar en su pantalla. O, por otro lado, ser patrocinada por campeones de ligas de fútbol como Deportivo de la Coruña o Arsenal en aquella época. En mi opinión no tuvo el trato que se emrecía, aunque fuera la menos potente de las 4 consolas de 128bits.

Veremos cuántos más “buffs” nos trae el futuro y estaremos atentos al Project Natal y al Wand PlayStation3, a ver si acaban triunfando o degenerando como los ejemplos vistos.

Cream-Wolf es un juego de los estupendos PixelJam. Y su concepto, un repartidor de helados que se convierte en hombre lobo, lleva consigo un tipo de humor negrísimo y delirante, más bien derivativo, asociado al cine. Por eso he hablado del licántropo en términos (estrictamente) cinematográficos. Por eso no cito Aullidos (1980) hasta ahora, porque Joe Dante situó al Hombre Lobo como parte de una secta curativa, reverso del culto neohippie, que, de algún modo, tiene algo de la perversidad relativa al tema de este juego: la idea de un licántropo perfectamente integrado en la estructura social. Un Hombre Lobo que se come niños es el heladero protagonista, como los citados Angela Carter y Neil Jordan leyeron el mito de la Caperucita Roja. A la luz de Bettelheim, la Caperucita era roja porque así se evidenciaba el deseo sexual y El Hombre Lobo ese superyo fiero y salvaje, un hombre primitivo que además del seductor masculino. Pero este Hombre Lobo entronca con algo más perverso, más propio del relato gótico: se come niños, sin que medie la identidad femenina.

No es sorprendente que bajo esta premisa delirante y derivativa éste sea un juego ciertamente refrescante. Ya he hablado muchas veces de las otras joyas de Pixel Jam como el díptico RatMaze, aunque no conviene olvidarse del excelente tour de force en las ruinas jurásicas Dino Run. Concebido para la excelente Adult Swim Games, esta es una demostración de talento y de intenciones ambiciosas, genuinamente artísticas porque el trabajo de PixelJam ahonda en las posibilidades expresivas del píxel como proyecto incompleto, aunque mejor se diría casi inexplorado a juzgar por lo poderosas que son sus ideas estéticas  (esas notas de música blancas son pura incertidumbre en el paisaje).

El gameplay llega a ser enrevesado porque combina unas reglas rígidas siendo primero un juego en el que tenemos que repartir helados a los chavales esquivando la Autoridad, y luego masacrar, con luna llena off course, a los mismos que hemos engordado, cual Lobo Feroz. Estas dos partes están unidas usando una transformación lenta que combina momentos de enajenación pura hasta llegar a la conversión en bestia implacable. Hay algo fascinante y perturbador en ser el heladero, en asumir el rol del monstruo no desde la empatía, sino desde la mirada cómplice de un jugador que asiste a un proceso de conversión a monstruo con la luna llena. Ayuda una poderosa banda sonora, y es que PixelJam son, también, unos excelentes compositores, con un inspiradísimo Mark DeNardo a la cabeza del grupo. La banda sonora es aquí imprescindible, estableciendo un correlato musical inesperado y lleno de sentido (a fin de cuentas el heladero incluye su banda sonora portátil).

No sé si queda claro que este es un juego inquietante, con momentos rompedores y lleno de un ambiente grotesco, viciado, mutante, lleno de ecos que son freudianos y góticos a la vez, pero que hunde sus raíces en una imagen contemporánea como la del suburbio para ofrecernos un relato entre descarnado y satírico de un monstruo devorando a los hijos del vecino.